又是新的一年！小葵花断断续续到了第四期。虽然总是疲于更新，但仍非常感谢各位朋友这两年对这个系列文章的宠爱。你们的捧场和喜欢也将是我继续写作的动力。我一直认为，任何东西学不好、练不好，一定是方法有问题。有些人可能会觉得刻苦努力才是关键。试想下，如果总是不得要领，会不会觉得受挫而丧失兴趣？这或许也是许多朋友在练琴的道路上走不下去的原因。当一个人真心对一件事感兴趣的时候，任何耗费的精力与时间在他心里都不足为惜。我虽不指望看了我的教程之后，你们对弹琴能像游戏练级一样痴迷。但起码我希望它是有趣且实用的。真心希望大家能少走弯路，练好琴（认真脸）。今天文章要以一个被各种键盘教程说烂的话题开始：你真的弄明白那个魔性的ii-V进行了么？

怎样练习ii-V进行

关于ii-V进行是什么想必大家都明白很久了，不懂的小同学可以参考任意一本和声书，爵士键盘方面的书或文章，那里有最详尽的解释，在这里就不浪费篇幅赘述了。不夸张的说，在我们国内，只要熟悉各个调式，摸清各个和弦，然后再背一堆licks，大体上可以将一个爵士钢琴手“演”得近8分。但是大家有没有思考过，这些大师编的licks究竟是怎么来的？强烈的ii-V进行下面深层的东西是什么？我认为，还是旋律。真心的，请大家不要陷入追求和声复杂而轻视旋律的迷思。如果说和声是一首曲子的基石，那么旋律就是流动的智慧。众所周知，同样一首曲子，同样的和声进行，大师弹的和普通人不一样之处就是，即兴时他们在这些同样的和声进行上面赋予的旋律不同。这种旋律虽说基于灵感，但更要有强大的逻辑作为支撑，只有每个音都是有出处、有意义、不多余的，别人才会同样觉得好听。

英文中有个词叫“organic”（有机的），它经常被用来形容动机或者乐思的发展。我认为很妙！“有机的”可以被引申理解为可循环的，不浪费的。你的旋律就像自然界的资源，如果它的发展也遵循“可循环、不浪费”这个准则，那么你的每个乐句都将是根基深厚，并且会源源不断的发展下去，而你的观众也必然会领悟到其中的妙处。反之，如果一句一个动机，旋律想到哪写到哪，那么别人会觉得不知所云。你的旋律再美妙，如果十句，句句不相关，句句不同，那怎么会让人记住呢？所以，请珍惜使用每个音，切忌“胡编乱造”！！！

这便引出了我们今天这讲的重点:我们在solo或者旋律写作时，一定要思考，我们为什么要做出这些个音?它们是怎么来的?它们的作用是什么?它们和前后的乐句有什么关联？当我们熟悉了各种调式音阶，会背各种licks和大师的样板弹法，请一定一定要试着分析一下这些构筑在和声进行上的旋律！如果你明白了这些音的出处和作用，并且能够像作曲家一样solo出前后有关联有逻辑的乐句，那么恭喜你，任督二脉打开了！

我将带着大家就着一些ii-V进行的solo的例子，跟大家分析一下它们的构成方法。希望你们能找到练习即兴演奏的正确的路子。

1.    基本的ii-V-I模式

Ex.1的谱例是一款最基本的ii-V-I旋律模式。基于C调，运用的是琶音和音阶的组合形式。

2.    稍加装饰

Ex.2的谱例是F调上的，稍微复杂一些的乐句模式。首先以一个Gm9的下行琶音作为开头（从9音开始），接着是一句经典的常用lick。如果大家有兴趣分析第二拍和第三拍这八个音，可以发现它们也是有关联的（二度和三度组合，逆行、倒影之类的）。接着来到这句的妙处：在C13和弦的7音解决到Fmaj9的5音之前，插入了C13和弦的#9和b9音。这两个音，大家可以理解为装饰性或者色彩性的，总之像香料一样为这个平淡无奇的进行加了一层味道，让它更浓厚。这里换成C7#9b13也是不错的选择。

3.    半音进行与迂回解决

半音进行（Chromatic Approach）与迂回解决（Indirect Resolution）是爵士乐中很常见的两种声部链接方式。原谅我没有找到合适的中文翻译这两个术语，但是我会解释给你听。Chromatic approach指的是通过半音的方式连接到目标音，可以是上行或是下行。例如当我们要进行到C这个音时，我们可以通过C#(上方半音)活者是（下方半音）来达到。它与我们熟悉的经过音类似。Indirect Resolution顾名思义，迂回的，非直接解决。通常会在解决到属和弦之前插入其它的音，造成一种期待感和声音上的张力。在我们的Ex.3谱例中，第一拍上，9音C在进行到3音Bb之前进行到了，造成了半音进行的链接。你可以把它当做半音进行，也可以当做经过音解决。紧接着，第二拍上的四个十六分音符是第一拍的摸进，而对于接下来的C13和弦来说，这又是一种迂回解决。

4.    ii-V模式的延伸

下图Ex.4中，我从4a到4d为大家例举了更多的ii-V和声链接（即兴）织体。你可以边弹边用耳朵和手指去记忆每种织体不同的味道。然后也可以尝试着去分析一下他们之间的和声、调式链接方式。值得注意的是，旋律线的起点因为它们所在的不同音阶的不同音，因此所产生的色彩也是不同的。良心建议：多去体会这种细微的变化，不光可以提高即兴水平，对于旋律的品位也是一种提升。

左手强化训练

长期练琴的朋友们都知道，我们的左手通常从力量、灵活度上都要比右手差一些。当然，可能习惯左手的人或许是相反的情况。今天我觉得很有必要帮助一下正在努力改善左手独立性的朋友们。如果你练习过stride piano，就能体会到保持左手稳定和灵活性是多么重要。Stride piano可算作爵士钢琴的一个风格分支，起源于ragtime，典型特征是左手进行各种大跨度的伴奏，可以是单音，也可以是单音加和弦。这种风格对手指的功力要求甚高。如果看过各种stride piano大师们的演奏，你就会发现他们的左手总能稳健地在和弦中切换，灵活地演奏副旋律，游刃有余的在键盘上演奏各种跑动的音符和低音线条。所以说，学好键盘不光要靠一个好脑子，关键时刻，手上功夫也不能掉链子不是？我尝试着做了几条练习的谱例，通过融入一些拉丁音乐的切分节奏和一些大跨度的织体，在帮助你强化左手的独立性的同时，也不乏乐趣。

1.    感受不同层次的低音

Ex.1中的这几条的灵感来源于古巴作曲家Ernesto Lecuona的 “La Comparsa”。值得注意的是，Ex.1c这条的第四小节与第五小节中，包含有八分音符的五音组合，这种节奏型被称为“cinquillo”，它在拉丁和加勒比音乐中具有举足轻重的地位。我们做这些练习的精髓之处是要能体会到左手的演奏是分为两个层次的：上层的旋律和下层依靠在每小节第四拍上的低音节奏。

2.    在键盘中音区演奏上层和弦

Ex.2a与2b为你展示的是左手怎样在键盘的中部位置弹奏上层和弦。我们可以把较低的bass线想作是提问，把上方的和弦想作是回答，即一问一答的模式。手腕弹起、下落“击”键，从而演奏出和弦，这个手法类似于断奏（staccato）。这之后，要迅速向键盘下方移动，定位好要演奏的低音，并且做出迅速判断它是断奏还是连奏。很有挑战性的练习，大家不妨多练练。

3.    轻快的行进

Ex.3a和3b集中训练大家在保持手指轻快演奏（相当于Leggiero）的同时，运用手掌来控制演奏的力度变化。练习时，我们可以先以平均的力度演奏，之后再加上渐强与渐弱的力度变化。这条练习，右手也同样适用。

4.    键盘中音区的和弦与下方踏板音的演奏

Ex.4这条有点类似于Ex.2，但是这次，我们加入了E这个踏板音，并且低音区将会更低。这里的踏板音并不是指脚踩踏板，而是更类似于持续音。这是一个常见的作曲或爵士乐演奏手法：当和弦变化时，底部的低音保持相同并且一直延迟。这样可以达到一种声音色彩上的丰富与听觉上紧张感。这条练习的跨度更大，所以弹奏这类织体时，更依赖的是“手感”，因为光凭眼睛看与大脑反应，很难在短时间内稳稳的落准要弹的键。我的建议是，大家不妨把这个当做固定音型、织体，反复练习，从而锻炼出这种“手感”。练习好了这条，日后右手就可以稳稳的在上方即兴bebop或montunos了。

5.    倍速Stride

下面这个练习以一个八分音符的引子开头，预示了后面左手的节奏与速度。在这里，左手的stride是平时两倍的速度。请格外注意bass线的进行方式：通常是五度的间隔，而这里我更多的运用了三度，灵感来源于Oscar Peterson的钢琴演奏。他的急速演奏stride真的是非常震撼！所以要达到那种效果，我们的左手移动的范围就要相对小一些。

6.    倍速Boogie

下例为标准boogie woogie的样版，特别的是速度加倍且为straight (十六平)音符。当你在solo时，如果来上这么一段，一定很博眼球。这时候右手演奏什么就比较自由了，毕竟左手才是焦点。所以一定要保持左手演奏的干净与稳定与震撼！

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