在音乐创作中探索创意的五点建议

Leones · 2021-01-18 · 暂无评论


成功的音乐制作人、作曲家、音乐家都有一套获取新的灵感和创造力的方法,乐手则需要不断学习新的曲目、开发新的技术并改善他们现有的装备来做到这些。作为拥有五十多年经验的吉他手,我可以向你证明必须通过不断接受新的挑战来保持新鲜感。例如我最近正在学习大量的指弹风格的技巧,这对于多年使用拨片的我来说是很具有挑战性的,不过只有勇于发起新的挑战,才能激发新的创意和思维。

我们从小就被教导为创造性的艺术全都与表达有关,它表达的是你的感受和情绪,甚至是你所缺乏的感受和情绪。不过“表达”一词带有某些固有概念,这一概念可以看作是具有局限性的。表达某一事物意味着你的意识或潜意识中已经存在了这些思想或感受。并且,你用来表达自己的工具通常也是已经存在的。例如你所展现出来的任何程度的表现力,其实是以你牢固掌握表达的能力和技术水平为前提,只有这样才能执行连贯且引人入胜的音乐思维。然而对于那些决定认真追求创意的人来说,更至关重要的是探索!每个作曲家、制作人或演奏家都能随口说出在“探索”过程中对他们的作品产生持久影响的艺术家。我认为这种探索是开启新的职业生涯的强大动力,并且可以为成熟的创作者提供新鲜的创意。若从某个角度来审视那些创意作品,他们一方面是在表达自己,另一方面又是在发现自己。


在表达方面,向内看是探索我们的情绪、感受和理智的思想,我们利用现有的演奏和制作技术去完成新的创作、和声以及对音乐语言的理解,而我们的音乐品味正是这些东西的结合。在探索方面,我们寻找陌生并发现新的领域,这可能是音乐风格、演奏、制作、构思或是新的声音。为了使探索过程变得更加丰富,我们需要对新事物持一种完全开放的态度,不能让现有的品味草率地拒绝那些最初看起来可能会令人反感的东西。

这并不意味着表达和探索是两种完全孤立的思维,用坚持某些个人品味或风格的现有技术来表达音乐创意的方法也有很多,这不是一个非此即彼的事情,而是偏向哪一方的问题。根据我的经验,大多数艺术家都倾向于持续性的表达而从来没有真正给予探索足够的关注。这很不幸,因为探索无疑是你成为艺术家的本源。 John Cage可能是20世纪最著名的具有探索精神的作曲家,他对随机性和偶然性的运用催生了一种全新的写作、思考音乐与声音的方式。早年我确实非常迷恋他的作品,尽管我现在有了自己的创作成果,但我仍沉迷于他的冒险精神,他对声音试验的意愿仍是我在工作中深切关注的,以下便是我推荐的在音乐创作过程中探索创意的五条建议。

一、随机性和偶然性

想要消除你的个人偏见或习惯性选择莫过于亲自尝试。 但也请意识到放弃习惯性选择也并非绝对。你仍须为随机化过程建立初始参数。例如,在你的虚拟合成器面板中可能有一个随机按钮可随机化某些内容。你可以根据自己的意愿对现有或是完全出乎意料的声音做一些微妙的变化,虽然得到的随机结果也有可能完全无法使用,但识别随机结果的“可用性”其实是取决于你尝试新事物的意愿与你当下品味的接近程度。因此,选择随机化或偶然性并不是所谓的走极端,这其实还是一个连续的过程。

以下是Logic Pro ES2合成器中的随机菜单:


Reaktor 中的 Polyplex 也对许多参数提供了随机化功能,界面中有许多骰子样式的按钮图标,越往右所得到的随机程度就越极端。


在我们制作音乐的过程中会产生无数选择,其中有一些无足轻重,而另一些则至关重要。 前文提到的 John Cage 因运用中国的易经而闻名,易经是一种古老的中国系统,基础是“玄学”,用产生看似随机的数字来确定神的旨意。John Cage 就使用该系统来确定通常由作曲家才会做出的在音乐上的无数次选择,而不是让创作过程来决定结果。

序列音乐(由 ArnoldSchönberg 首创的“十二音体系”的无调性音乐)被 Pierre Boulez 和 Karlheinz Stockhausen等作曲家所采用,以用于动态、发音、持续时间甚至音高的序列化选择。这种选择是从预先建立的可能性列表中挑选出来的,严格意义上来说是在没有作曲家直觉干预的情况下进行选择。这种偏激的美学在当时引起了很多争论,并且最终基本被放弃了。但是从那时起,使用随机性、不确定性、偶然性来发现新的声音和可能性的想法就一直以这样或那样的形式存在于当代音乐中。

二、在陌生的乐器上进行创作

任何乐器演奏家都很清楚发展肌肉记忆对于实时演奏的至关重要,思想听觉化与音乐创作之间必须有如条件反射般的回应。实际上,使用某一种乐器作曲时会运用到一大堆根深蒂固的习惯性技巧和手势,这可能会为作品加分,但也可能会限制你的创意。大多数爵士乐手也都承认他们很少演奏以前从未演奏过的音乐,但是当他们开始真正演奏时,又在神奇的发生变化。当然,你可以通过堆积大量音符来创作优美的音乐,但如果你找不到提升极限的方法,那将永远也学不到任何新东西。

所以说,如果你习惯使用吉他作曲,请尝试换一种乐器,例如使用钢琴,反之亦然。你可以尝试使用某种MIDI控制器或随机程序来编辑音序器。这样做的关键是要刻意让自己脱离舒适区,然后看看会发生些什么,你甚至可以搞乱惯用的乐器来破坏自己的习惯,尝试用虚拟乐器替代吉他再经过微调。John Cage 的钢琴作品《Sonatas and Interludes》就是一个很好的例子,这部作品剥夺了按下钢琴键时的自然期望,但同时仍利用了钢琴家从多年的练习中发展出来的技术。

三、错用和滥用

软件和音频插件在设计时考虑了非常特殊的用途,那些预设、控件和软件界面都在暗示并指导着你该执行哪些操作。但我觉得主从关系应该是用户去控制插件,而不是让插件限制自己。所以请尝试使用一些极端或某些不合理的设置。有许多学生会问我某些插件的正确用法或是该怎样设置才是正确的。我的答案是听起来不错就好,那也是一种正确。有时我们最好先搁置一下惯用的方法,然后看看会发生什么。对于软件来说,无论你怎么折腾,你都不可能把软件给“弄坏”。所以就软件来说,你完全可以大胆尝试。而在硬件方面,只要你看住了音频输出并且不搞错连接,同样也很难轻易把设备弄坏。例如有一种风格被称为“无输入混音”,它就是完全基于“错误”。调音台的输出通过辅助发送路由回到输入,从而制造出令人难以置信的各种声音,而除了调音台本身其实没有任何其他输入源。

四、自我限制

几年前,我在另一篇文章中谈及了这个想法。前提也很简单,那就是对作曲、混音、乐器演奏等任何创作施加一系列限制。这可能包括把你的吉他演奏限制在一根琴弦上;仅使用一组特定的插件进行混音;仅在单声道中进行混音;仅使用数量有限的音符、节奏来构成旋律等等。也就是说,让你以非常规的方式来破坏自己的习惯行为。而这可能会产生新的探索过程,这些探索将超越你以前的固有习惯并扩展你的创意。作为吉他手的我可以告诉你,限制在一、两根琴弦上演奏确实能让你为自己的演奏感到惊讶。

五、组合声音片段

我分配给一年级音频制作和声音设计专业的学生的其中一个练习是:只使用非常短促的声音采样(通常少于1秒钟)来编写一首两分钟的作品。所使用的素材可能是弦乐拨奏或其他不常见的瞬变。除了素材的局限性之外可以使用包括时间伸缩、采样技术、对时间和空间的处理、EQ等任何方法。这是缩短创新过程的典型做法,能迫使作曲人探索与这一小段声音片段相关的所有内容,并以非同寻常的方式发挥其潜力。我的答案是听到了一些巨大成果,而且我也相信这种经历对年轻人的思维会产生深远影响。如果你从未尝试过,建议真的去试一试。你可能会收获到意外惊喜,或者说至少能从中获得一些乐趣。

结语

对音乐的表达是音乐制作和创作中固有的自然过程,但正如我希望在本文中探讨的那样,仅仅局限于表达就意味着是一种停滞,因为那只能使我们表达现有的思想和感受。我们用于表达的工具通常充满了习惯性倾向,有时甚至会抑制自我和创造力的成长。当我们初次探索音乐时会产生一种强烈的兴奋感,它可能会改变我们的生活。我坚信,提高自己的音乐表达能力再加上不断地升级对音乐的探索欲,这些肯定有助于你成长为一名真正的艺术家,并且还能引领你迈向全新的未知领域。


本文出自《midifan月刊》2021年01月第178期

 

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文章出处 https://magazine.midifan.com/detail.php?month=2021-01#19

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