钢琴独奏、民乐重奏、大提琴奏鸣曲、爵士乐队。

Morten Lindberg 录音大师课已过半！从第二天开始，大家期待的录音实操终于来了。

从第二天到第三天， 一共进行了四个录音项目。30 位学员分成六组，轮流进棚与 Morten 一起动手录音。百余位观众在多个场地通过同步直播实时观看。多套 GENELEC 真力沉浸式监听系统把录音监听信号实时传递，让大家听到最真实的录音现场。

感谢电影学院声音学院的直播技术团队，给大家带来如 “真人秀” 一般的信息充沛的现场呈现！同样感谢才华横溢的乐手们, 没有他们就不会有这次录音大师课的顺利开展。技术与艺术的完美合作，成就了此刻我们心中共同的回响。

真力小编也趁工作间隙努力“蹭听”、拍照记录、跟来宾们交流。两天的信息量极大，涉及的方面很多，值得写出好几篇心得文章来。

但这篇，是速报，主打一个快。让我们先以照片为主，以文字为辅 —— 带你回到那些令人兴奋的录音现场。

如果你还没看过第一篇课堂笔记（理论篇），可以先点击这里阅读：
Morten Lindberg 录音大师课首日现场速报！

 录音项目1：钢琴独奏 

• 曲目：Franz Liszt: Liebeslied 李斯特《献词》
• 演奏者：邱冠宇
• 钢琴型号：施坦威 D274
• 录音棚内混响时间：1.1s（以下其他录音项目均相同）

2L Cube 话筒必须放置在录音棚的中轴线；而钢琴的摆放位置则要避开中轴线，以避免驻波。

大家围着钢琴的各个角度仔细聆听，寻找好听的位置，来决定钢琴与 2L Cube 之间的位置关系。

用 Morten 特制的 1.2m 长撑杆，将钢琴大盖撑起来（钢琴自带的撑杆只有 80cm 长）。

调整 2L Cube 距离钢琴的前后位置和高低，找到合适的声音，主要是“远近虚实”。

通过微调话筒的位置和角度，仔细调整音色。

在钢琴底部添加 LFE 话筒。

与演奏者、学员一起聆听、讨论、调整。

 录音项目2：民乐重奏 

曲目：

• 《送我一只玫瑰花》
• 《赛马》（室内乐团版）

乐器 & 演奏者：

• 琵琶 - 薛冰倩、蔡雨欣
• 古筝 - 郭安琪
• 扬琴 - 冯汝媛
• 阮 - 张家宁
• 二胡 - 邰一笑
• 笙 - 澳暄
• 笛子 - 段瑞
• 打击乐 - 李浈

这是 Morten Lindberg 首次录制中国民乐。他询问学员们的意愿，是先来一个“冒险”的尝试，还是采用“传统”一些的做法？学员们首先选择了“冒险 & 新颖”的方式来录制《送我一只玫瑰花》。

演奏者们围绕着 2L Cube 成圆形排布。

经过几次试音，话筒的高度一降再降。

演奏者们从“大圈”逐渐收紧成更加亲密的“小圈”。

调整上层话筒，略微向外倾斜。

给阮添加地台，抬高高度。

一些细微的调整包括，琵琶略往远挪，给笙寻找合适的拾音角度等，来获得更好的平衡和音色。最终定下来的乐器布局和话筒设置是这样的。

录制第二首曲目《赛马》（室内乐团版），学员们提议这次改用“传统”一些的方式。

演奏者们以半圆弧、前后两排的方式布局。

二胡是这首曲目的主奏乐器，用地台垫高。

寻找二胡声音最好听的角度，引导演奏者略微偏转身体，将那个方位朝向话筒。

与演奏者一起聆听、探讨、调整，Morten 尤其重视演奏者、学员们对中国民乐音响审美的理解。

 录音项目3：大提琴奏鸣曲 

曲目：

• Rachmaninov: Cello Sonata in G Minor, Op.19
• 拉赫玛尼诺夫《G小调大提琴奏鸣曲》作品号 19

乐器 & 演奏者：

• 大提琴 - 周贺
• 钢琴 - 植浩城

和学员一起讨论、调整钢琴与话筒的位置关系。

尽量减少谱台对声音的影响：比如，给大提琴换上了镂空谱架；拆掉了钢琴的谱台，用话筒杆做成了临时谱架。

钢琴与大提琴演奏者分别坐在 2L Cube 的两侧，并确保他们能够顺畅地眼神交流。

钢琴大盖被拆掉了!
钢琴的大盖是为了在舞台演出时让声音更好地传向远处的观众席，而对于录音来说有时并不需要。拆掉大盖后，钢琴的声音会变得更加“单纯”，但也会更加趋近于一个“全指向”的声源，至于是否合适，还得看作品、演奏和空间的具体情况。

给大提琴增加了地台（一层不够，又加一层），并仔细检查地台是否存在有害共振。

寻找大提琴声音最好听的角度，最终结果是，演奏者向左略微偏转，用右前方对着话筒。

给钢琴加点话筒，高切后送至 LFE。（钢琴大盖已拆，所以这次从上方拾取）

与演奏者一起聆听、探讨、调整。

最终定下来的乐器布局和话筒设置是这样的。

钢琴那一侧的上层话筒斜指向上方；大提琴那一侧的上层话筒斜指向地面，让大提琴的声音更加“肥厚丰满”。

 录音项目4：爵士乐队 

曲目：

• 《Tutti Italiani》
• 《Martha’s Dance》

乐器 & 演奏者：

• 吉他 - 李霖
• 贝斯 - 李子晨
• 鼓- 赵云龙 
• 萨克斯 - 江状星
• 钢琴 - 邓秋实
• 演唱 - 郑月秋

初步准备工作完成之后，首先聆听演奏，了解各件乐器在这首作品中的功能，了解它们之间的“融合”与“对抗”关系。

调整乐器的布局：让贝斯与钢琴的低音区靠近；让萨克斯在中间，并添加地台抬高高度；将原来放得比较远的鼓挪近一些。

乐手们相互聆听、演奏，已经能够达成很好的平衡。

将吉他音箱斜向上指（没抓拍到~请想象！），并建议吉他手调整吉他音箱上的混响设置。

给底鼓添加点话筒，做高切后送到 LFE 声道。

贝斯的 DI Out 做高切后送到 LFE 声道；同时给贝斯添加点话筒，做低切后送到 L 声道。

第二首曲目加入女声演唱。直接把 C 话筒变化成了演唱者的话筒，并添加了适当的后期处理。

 Morten 的录音方法（技术向总结）

是的，真力小编又来大胆总结了，欢迎大家交流探讨、补充指正！

通过对四个录音项目的观摩，我们大致可以把 Morten 的录音过程分为四个步骤。

第一步，理解音乐本身
弄清每件乐器或每个声部在作品中的角色和功能。

第二步，调整乐器布局
根据音乐角色和功能，以及演奏者的舒适度，确定演奏者的摆位和相互关系。

第三步，确定“整体画面”
通过调整 2L Cube 的位置， 找到合适的远近感、虚实感，或者说直混比关系。值得一提的是，当他找到一个“合适”的点后，还会再往前一步试试看 —— 也许正是在那个“稍微过了”的位置上，才能发现新的可能。

第四步，精细化调整
包括调整各个话筒的角度与朝向，判断乐器的哪个方位面向话筒更好，以及乐器与话筒之间的距离 —— 是靠近 10 公分还是远离 10 公分；还包括与演奏者共同讨论是否需要微调演奏技法。最终的决定，都在聆听、讨论与尝试中完成。

而超越技术与方法的是… 通过

这几次录音，我们看到的是这样一位录音师。

他对乐器与演奏细节的理解很深入。 

比如，在场的学员说，钢琴大盖撑开 1.2m，以及拆掉大盖之后，音色和辐射特性确实发生了符合录音意图的改善。

比如，在录制大提琴奏鸣曲时，他指出，弦乐器的动态控制可能会显著影响音色，于是更多地建议钢琴演奏者去配合调整。

又比如，在为大提琴加增高地台时，他一边敲敲敲，一边解释了四腿结构与箱体结构地台的共振差异 —— 前者可能产生板共振，后者则可能产生箱体共振，都需要仔细听辨。

他注重沟通的平等与尊重。 

移动乐器前，他会询问演奏者意见，调整话筒时，他会向演奏者解释“我们正在做什么”。

在他看来，演奏者的舒适区并非不可碰触，而是要判断何时、以何种方式去引导他们，并以真诚和高情商的方式来表达 —— 比如说：“我们先这样试试看十分钟，如果不合适，再调回来。” 这种温和而坚定的沟通，让录音现场始终充满信任与合作的气氛。

爵士乐队的录音就是一个例子，最后的几遍，声音整体效果的提升并非是因为录音方式有所改变，而是演奏者逐渐适应、进入状态的结果。

他懂得把控录音进程、营造现场氛围。 

比如，他认为不要在声音还未达到良好状态时就让演奏者来控制室听，以免干扰他们的自信和情绪。

比如，他会建议在合适的时候，把棚里的灯光调暗，让演奏者更容易放得开，进入最佳状态。

他擅长引导和影响演奏者的思维 

比如，在钢琴独奏录音中，他尝试改变演奏者进棚录音的心态 —— “你不是在音乐厅里为整厅的观众演奏，而是只弹给我，一个近处的人听。”录音结束之后，我们也询问了钢琴演奏者的感受，他说弹奏的力度有所降低，演奏的表达方式有所不同，这样确实可以把细节做得更足。

他时刻关注演奏者的心理状态 

他提醒大家，与演奏者交流时，不仅要听语言，还要观察他们的身体姿态和表情。

他这样对演奏者说：Dont listen to mistakes, listen to opportunities.（不要去听错误，而是要去听可能性。）你想象一下，当这首作品最终传递给听众时，你希望他们感受到什么？

短短两天，四个录音项目，信息量满载。这是一场关于聆听、理解与共同创造的旅程。

你印象最深刻的细节是什么？你记在小本本上的金句有哪些？欢迎在留言区慷慨分享！

明天和后天，课程将继续。真力小编将持续为大家带来更多精彩瞬间，欢迎关注。