久等了！ 上周五，为期五天的 Morten Lindberg 录音大师课正式落下帷幕。真力小编的最后一篇课堂速记今天终于整理完毕，和大家分享。

在进入正文之前，先推荐一份非常值得阅读和收藏的资料 —— 来自音频行业资深前辈陈奇楠老师。陈老师是第一位将 Morten Lindberg 及其作品介绍给国内音频从业者的人，他多年持续关注并研究 Morten 先生与 2L 的发展。这篇文章以《当今世界音乐录音界的一位与时俱进者》为题，从录音记录格式与出版发行格式的角度，系统梳理了自 2001 年 2L 创立至今的 25 年间，Morten 先生如何凭借技术探索与创作实践，逐步实现对几乎所有数字录音格式的完整覆盖。文章还列出了他在世界范围内多项 “第一” 的作品节点，呈现出 2L 如何将录音技术的创新真正转化为可被购买、可被聆听的实体专辑与数字作品。 

衷心感谢陈奇楠老师的整理与分享！他的研究不仅帮助我们更全面地理解 Morten 先生的工作，也为国内音频从业者提供了宝贵的参考与启发。 

下载完整 PDF 资料，请在微信窗口中回复关键字「沉浸声格式」

如果你还没看过前两篇课堂速记，可以点击这里阅读：
Morten Lindberg录音大师课首日课堂速记：理论篇
Morten Lindberg录音大师课前四个录音项目课堂速记：关于聆听、理解与创造

最后两天的课程内容涵盖：

• 弦乐四重奏与钢琴五重奏录音
• 爵士乐队作品的混音制作
• 六组学员总结
• 答疑

在前一篇笔记中，我们已经大致总结了 Morten 先生的录音步骤，因此对于最后两个录音项目，我们主要记录了一些关键细节与亮点片段。

录音项目5：弦乐四重奏

曲目：
String Quartet No. 2 in A Minor, Op.13（Felix Mendelssohn）
门德尔松《A小调弦乐四重奏》作品号 13

乐器 & 演奏者：
第一小提琴 - 易俊宇
第二小提琴 - 麦恩泽
中提琴 - 邓梓轩
大提琴 - 郝浩然 

Morten 先生带领大家分别聆听每一件乐器，主要听两方面 —— 频谱的宽度，声像的展开宽度，找到最适宜的位置。

他介绍了弦乐四重奏在历史上不同的座次变化，并结合这首作品中四件乐器的各自功能与角色，提出了一种座次摆位建议：从左到右依次为中提琴、一提琴、二提琴、大提琴。 

相比起小提琴和中提琴，大提琴的发声位置相对较低，为了获得更加平衡的听感，用地台将大提琴抬高。 

Morten 先生讲解， 因为一提琴通常在弦乐四重奏中处于“主导”地位，音量会稍大，发声也会比其他声部略早一点点，因此从音响听感平衡的角度，他让一提琴将座位后撤约 5 厘米。 

在调整 2L Cube 具体位置时，他提到，如果话筒升得太高，会丧失一些清晰度和质感。因此他选择了较低的高度，并让指向小提琴的话筒对准琴桥并略微上扬，由于他选择的这款话筒在高频响应上极具指向性，所以为音色调整提供了更大的灵活度，这也是他选择这个型号作为水平层话筒的主要原因。 

有学员提问，录音中拾取到演奏者的呼吸声，是否算“干扰”？Morten 先生的回答是，如果呼吸的节奏与音乐相契合，并且不会分散聆听者的注意力，那它就不是“噪声”，而是音乐的一部分，不必去除。 

整个过程中，他始终重视与演奏者、学员的共同聆听与

讨论 —— “演奏者的反馈是非常宝贵的。”

录音项目6：钢琴五重奏

曲目：
Dvořák: Piano Quintet No.2 in A Major, Op.81
德沃夏克《A大调第二钢琴五重奏》作品号 81

乐器 & 演奏者：
第一小提琴 - 易俊宇
第二小提琴 - 麦恩泽
中提琴 - 邓梓轩
大提琴 - 郝浩然
钢琴 - 胡肖宇 

在上一个录音项目的基础上加入了钢琴，大家面临一个选择：是采用传统布局，还是来点“冒险”？最终，Morten 先生和学员们决定“冒险” —— 将钢琴摆放在四个弦乐声部的对侧。 

与第三个录音项目一样，钢琴被拆掉了大盖。大家一起调整了钢琴相对于 2L Cube 的位置，不是正对，而是略微偏转一定角度。 

起初，新的摆位让演奏者们有些不适应，钢琴在整体平衡中略显突出。Morten 先生提出了两种思路：一是从录音技术入手，也就是通过调整话筒的远近和角度来解决；二是邀请演奏者参与，通过调整演奏方式与相互配合来寻找解决方案。 

他邀请演奏者进入控制室，聆听刚才的录音。结果很快出现 —— 演奏者们立刻察觉到问题所在，并迅速做出了有效的调整。正如场外解说的曹勐老师所说：“今天的录音似乎进入了自动驾驶模式。”

几个 Take 之后，演奏者们再次被邀请进控制室。Morten 先生引导大家：“暂时忘掉技术、忘掉设备，只去听、去感受，去享受音乐本身。”

在最后一个录音项目即将结束时， Morten 先生透露，其实在他的正式录音项目中，像今天这样的话筒调整过程，通常只需 10 到 15 分钟。但在大师课上，我们的目的不在于录出多么好的成品，而是把过程放大，让大家分析、讨论、有所收获。 

混音制作 

在 Morten 先生的录音制作理念中，混音的关键工作其实在录音阶段就已基本完成。大师课最后一天的上午，大家用约 2 小时对第四个录音项目 —— 爵士乐队的录音进行了混音制作。真力小编在此列出了几个值得记录的要点。 

关于贝斯和 LFE 声道
爵士乐队录音中，贝斯既有 DI Out 信号，也添加了点话筒。
Morten 先生为 DI Out 加上低通滤波器，并进行了精细调整，发送到 LFE 声道；点话筒则加上高通滤波器，发送到右声道 —— 与 2L Cube 拾取到的整体“画面”中贝斯的位置相对应。 

关于点话筒与延时补偿
Morten 先生仔细调整了贝斯 DI Out 与点话筒的延时补偿，以找到它们与 2L Cube 主话筒的合适关系。他的原则是，如果需要清晰度和质感，点话筒可以不加延时补偿；如果需要增加音量和体积感，那么需要加延时补偿，有时甚至多补一些。 

对于是否在录音中使用点话筒，Morten 先生的观点是：可以添加，但绝不能成为前期录音中不思考、不判断的借口。 

关于 Pan 的使用
Morten 先生希望在他的录音制作中尽量减少或避免使用 Pan，尽可能地依靠话筒的拾取来完成空间构建。如果确实需要使用时，他也不会使用单纯利用强度差原理的 Pan，而是建议选择同时利用强度差与时间差原理的 Pan。 

关于人工混响
Morten 先生坚持在录音现场就拾取到理想的自然混响，在此基础上再决定是否添加人工混响。在他的理念中，人工混响并不是用来“塑造空间”或“改变色彩”的工具，他并不会使用人工混响去增添早期反射，而只是用于轻微地“延长尾巴” —— 让声音的余韵更自然、更完整。 

关于混音时的注意力调整
在混音过程中，需要保持自我觉察，避免陷入“钻牛角尖”的状态。当注意力过度集中于某一细节时，可以先转去处理其他部分，再回过头来重新审视该细节是否仍然合适。

总结 & 答疑 

混音结束后，六组学员分别对六个录音项目进行总结，与现场观众讨论交流。在最后的问答环节，Morten 先生留下了一些令人印象深刻的观点。 

听一件乐器的声音，要同时关注频谱的宽窄，和声像展开的大小。 

做判断时，先让直觉去引领，再用理性去审视，同时保持一个全局的“上帝视角”。 

录音中遇到的挑战，通常有两条路径来解决：一是通过录音技术（Engineering），二是邀请演奏者参与，把主动权交给他们。二者结合，往往能找到最佳的状态。 

沉浸式三维声相比立体声有什么优势？ Morten 先生认为，在立体声录音混音中，常常需要“避让”，避免声部之间互相抢占频率或声像空间。而沉浸式三维声提供了更宽阔的画布，也能让更多的可能性被保留到最后，由听众去完成最终的选择。这种方式，使音乐能够带来更强烈、更直接的情感冲击。 

这是 Morten 先生第一次来到中国，他对这次大师课的评价是：“This is the most amazing, most efficient, and most well-thought event I’ve ever had.”

在大师课的最后，Morten 先生向在场观众献上了他最真挚的建议：“Have no fear. Go out there and create.” 全场掌声经久不息。 

GENELEC 真力

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