带你了解 Apollo 音频接口与 UAD 插件如何塑造他极具质感的现代流行音乐制作风格。

制作人 Jim-E Stack 在旧金山长大，白天在高中爵士乐队打鼓，晚上独自在房间里沉浸于音乐。在新奥尔良的音乐学校就读一段时间后，他意识到真正的经验来自制作音轨，而非坐在教室里。后来他搬到纽约，在那里做 DJ 并发行个人作品，但很快发现独自工作让他渴望更深度的艺术联结。

这份追寻最终将他带到洛杉矶，在那里与 Dan Nigro（Olivia Rodrigo、Chappell Roan）、Ariel Rechtshaid（Vampire Weekend、Charli XCX）等制作人 / 词曲作者的合作点燃了他的集体创作火花。大约在同一时期，Jim‑E Stack 入手了他的第一台 Apollo Twin，并开始大量使用 UAD 插件 —— 这些工具成为他以情绪驱动、常走极简路线的作品的核心。如今，Jim‑E Stack 与 Lorde、Bon Iver、Dominic Fike、HAIM 合作打造了一系列热门作品，他备受追捧的风格更看重耐心与氛围感，而非追逐潮流。在本文中，他详细讲述了时间与空间的重要性，以及为什么有时候你只需要走出房间。

你最初是如何接触音乐的？

我在车库乐队和学校爵士乐队里打鼓，所以一直都有和朋友们一起玩音乐、一起制造声响的集体体验。但说实话，在那之前，就只是我一个人在房间里听 CD，感受情绪，试着理解音乐里的一切。高中快毕业时我意识到，音乐不能只是爱好，我必须全心投入。

新奥尔良的音乐学校教会了你什么？

嗯，我很快就发现，实际制作音轨学到的东西要多得多。那才是真正的学习。我开始明确自己的审美，也意识到打造个人风格来自在公寓和录音室里实操，而不一定是在课堂上。

“早年制作自己的电子音乐，给了我一套至今仍在使用的声音与创作语言。” Jim-E Stack 说。

你曾说在纽约的日子很有产出但很孤独，那段时期是什么样的？

我当时在摸索生活。我有了个人项目《Ephemera》的早期版本，也频繁做 DJ 演出。我喜欢自己创作的东西，也喜欢合作过的音乐人，但那段时光很孤独。我凌晨 1 点在俱乐部打碟，然后独自在卧室做音轨，完全没有乐队时期那种并肩创作的氛围。那时我才明白，人是我热爱音乐的重要原因，而我当时正缺少这份联结。

讲讲你个人项目《Ephemera》里《Note to Self》的创作故事？

这首歌就是《Ephemera》的缩影。我和朋友 Micah Gordon 做了一段合成器循环，然后就存了起来。后来我在另一首完全不同的作品里听到 Clara La San 的人声想法，某天晚上突然灵光一现 —— 她的人声就该配那段循环。我直接从床上跳起来，把两者拼在一起，效果出奇地好。接着我加入了自己的鼓点构思，Empress Of 录制了主唱人声。我们调整了音高，让她的声音更突出。整个过程就像一块口香糖滚来滚去，不断粘上新的碎片，最后变成一首歌。

搬到洛杉矶如何改变了你的音乐创作方式？

加州本就吸引着我，而洛杉矶的特别之处在于创作社群。这里有很多做词曲创作和制作的朋友，这种氛围正是我渴望的。我过来拜访，很快就一次次往返，最后干脆搬了过来。

但真正改变我的是，我意识到越强行逼一首歌成型，效果越差。我曾在录音室里硬把一个想法拼凑出来，感觉从来都不好。好作品往往出现在我把创作过程当成和朋友相处、毫无压力的时候。当一个想法有空间先 “什么都不是”，它才有可能真正 “成为什么”。

过去几年你和 Bon Iver 的 Justin Vernon 合作过，在他威斯康星州的 April Base 录音室工作是什么体验？

第一次去那里时，我被那种松弛感震撼了。Justin 一直在做音乐，但方式毫不刻意。大家就是聚在一起、做东西、吃饭，偶尔喝杯啤酒，完全没有任何期待。这种工作方式给我埋下一颗种子 —— 你不必把每件事都当成决定职业生涯的大事。先做普通人，让过程变得有趣，才能捕捉到魔力。

Bon Iver 特邀 Danielle Haim 献声的《If Only I Could Wait》，
收录于专辑《SABLE, fABLE》，由 Jim-E Stack 制作。

“ 编曲里只保留 ‘支撑骨架’ 的部分，确保人声始终处于核心位置。”
—— Jim-E Stack

你和 Lorde 的合作充分体现了你的极简制作美学，比如《What Was That》这首歌。

没错，和 Lorde 合作，一切都围绕留白。我们用 Shure SM7 录制 Demo 人声，有些版本最终被保留。重新录制时，我们的思路不是 “多加一层编曲”，而是 “把人声录得更好，然后推大音量”。这就是关键。从一开始，我们就只保留最必要的部分。她的人声永远是核心，其它所有元素都要为之服务。

你和艺人合作时，通常喜欢如何开启一首歌？

方式从来都不固定。有时候最直接的方法就是对的 —— 给吉他手一把琴，让他自由发挥。有时候则要带他们进入新领域，比如递给 Justin 一台合成器，看他能做出什么。和 Lorde 合作，可能从钢琴或吉他开始；和别人合作，可能从我先做好的一段节拍开始。我的工作是感知对方的状态，判断他们需要安全感，还是需要被推到新的空间里。

你曾提到在流行音乐中拥抱不完美，是什么吸引你这样做？

早就知道怎么把一切做得精致完美，但那已经不再新鲜。我一直被破碎的边缘吸引 —— 收音没那么完美的吉他、微微破音的人声，这些细节才有人味。我要澄清的是，我不是故意要做难听的音乐，但当作品带着原始质感时，才会真正触动我。

“不完美的乐器，带给我完美的成果。”
——Jim-E Stack

当你开始创作时，如何保证思路持续推进？

我喜欢让工具触手可及，保持灵感流动。我内心也向往所有复古硬件 —— Neve、Culture Vulture 等等，在别人的录音室里我也很爱用。但在我的空间里，我追求极简。因为归根结底，想法才是最重要的。只用一台笔记本和插件，也能做出惊艳的唱片。别让仪式感阻碍了歌曲本身。

“我做东西时常常不知道最终会走向何方。”Jim-E Stack 说
，“我的创作流程很大一部分是：先做出东西，暂时放下，之后再回头打磨。”

Apollo 与 UAD 插件在其中扮演什么角色？

Apollo 是我第一件真正的专业设备。我买了一台 Apollo Twin，它对我来说意义非凡。早期和 Dominic Fike 合作的大量作品，几乎就是靠这台设备加一台笔记本完成的。而插件至今仍是我创作的起点。A/DA Flanger、Ocean Way、Brigade Chorus —— 我只要切换预设，一首歌瞬间就有了全新气质。有时候我会直接把插件挂在总线上，有些人会觉得不妥，但对我来说，这正是找到作品个性的地方。

哪些 UAD 插件是你制作中必不可少的？

我绝对是预设爱好者，最爱的之一是 A/DA Flanger 里的 “Smooth Flanger A”。想给节拍加上水下扭曲的质感，直接套用再微调即可。Ocean Way Studios 是另一个神器，它能瞬间营造空间感。当我问 “这段合成器该放在什么环境里？”，Ocean Way 总能给出答案。还有一个被低估的宝藏是 Raw Distortion 踏板插件，它模拟 Pro Co Rat 失真效果，滤波与失真的组合能给任何音源赋予强烈个性。我不怕把它用在总线上，事实上，有时候它能让一首歌的特质瞬间清晰起来。

你显然是个合成器发烧友，最喜欢哪些型号？

Korg Polysix 的音色很纯粹，虽然有点小巧，但能在编曲里留出大量空间。而且它的琶音器成了我的标志性元素，尤其在 Lorde 的《Favourite Daughter》里。

Sequential OB-6 是我买的第一台合成器。朋友说：“人人都有 Roland Juno，买 OB-6 吧，它更特别。” 他说得对，我的很多作品里都有它的身影。还有 Kawai K3，这台 80 年代的古怪数字混合合成器。我喜欢把它接入 Boss BF-2 Flanger 或 Fairfield Shallow Water 等效果器，直到它充满生命力。我也总会再去用 Ensoniq ASR-10 和 Mellotron，它们粗糙的采样与有颗粒感的合唱，能赋予作品软件无法替代的人味。 

“ 想法大于一切 —— 别让仪式感打败歌曲。”
—— Jim-E Stack

你在录音室里有个小技巧：出去躺在草地上，为什么？

这是快速找回人味的方法。肌肤接触地面、晒晒太阳，重新调整状态。我有过让艺人抱着吉他到户外找和弦的经历。这不是什么玄乎的事，就是感觉舒服，而好的休息往往能带来更棒的录制效果。

“为其他艺人做项目能让我保持灵感，”Jim-E Stack 说，“但也会占用我做个人音乐的时间。”

现在什么样的项目最能让你兴奋？

我发现，当我全心投入和信任的人合作、深度参与项目大部分甚至全部工作时，才能做出最好的作品。这无关追逐潮流，也不是和当下最 “火” 的人合作。有时候我希望自己能一周写五首歌，但那不是我的风格。我需要时间和作品共处，过程虽慢，但这样的音乐才真实。

无论和哪位艺人合作，你始终坚守的原则是什么？

想法大于一切。打造一个能让想法快速落地、不打断思路的环境，歌曲通常会告诉你它想成为什么样子。

—— Ryan Hunter 与 Darrin Fox